Las pinturas más famosas: 25 obras maestras que hicieron historia

Cuando piensas en las pinturas más famosas, ¿qué pinturas te vienen a la mente? El objetivo de nuestro parche, las pinturas más famosas de la historia del arte, es traerte estas pinturas famosas, que difieren de la comprensión del arte anterior y que son un punto de inflexión para el futuro.

Todos ellos tienen largas, largas historias. También abordamos brevemente las relaciones de las pinturas con sus creadores. Si bien algunos de ellos fueron creados con métodos completamente nuevos con una comprensión más allá de su edad, algunos de ellos reflejaron los lados más oscuros y misteriosos del subconsciente humano en un lienzo. Aquí está nuestro artículo sobre estas famosas pinturas que te llevarán a otros lugares y te harán preguntarte cómo, por qué y cuándo las dibujaron.


Pinturas más famosas

1) Mona Lisa-Leonardo da Vinci

cuadros mas famosos

La primera pieza de nuestra lista de las pinturas más famosas es la Mona Lisa, que todos, de 7 a 70 años, conocen. Se estima que Leonardo da Vinci, quien tiene muchos títulos como pintor, arquitecto, matemático, pintó la Mona Lisa entre 1503-1507. Aunque se supone que la mujer del cuadro es la esposa de da Vinci, Lisa Gherardini, el pintor conservó el retrato durante mucho tiempo.

Tras la muerte del pintor, el rey francés Francisco I compró el cuadro. La Mona Lisa fue robada del Louvre en 1911 pero fue descubierta horas después. Quizás se produjo el mayor robo de la historia y el cuadro se convirtió en un icono a menos que se encontrara al ladrón.

El ladrón, Honore Gery, fue sorprendido vendiendo varias estatuillas del Louvre a un periodista. El ladrón dijo que le dio su bolso lleno de artefactos a Pablo Picasso. Picasso también se unió a los sospechosos de Mona Lisa, pero negó tener la pintura. Luego se cerró el caso, y después de dos años se entendió que la pintura estaba en posesión de un italiano llamado Vincenzo Perugia. El ladrón robó el cuadro no para venderlo, sino porque pensó que pertenecía a Italia con sentimientos nacionalistas.

Si quieres ver la Mona Lisa, puedes visitarla en el Museo del Louvre en Francia.


2) La noche estrellada – Vincent van Gogh

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La pintura La noche estrellada del famoso pintor holandés Vincent Van Gogh en 1889 se encuentra entre las pinturas más famosas. Van Gogh, que permaneció internado en un hospital psiquiátrico en Francia debido a sus problemas mentales, continuó sus estudios durante este período. El cuadro de la noche estrellada surgió con el dibujo de la vista que vio desde la ventana del hospital psiquiátrico donde estuvo internado. Gogh transfirió la pintura La noche estrellada, que se cree que tiene una vista nocturna, a su lienzo durante el día, y resultó ser una de las pinturas más bellas del mundo.

La Noche estrellada se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1941.


3) El Grito – Edvard Munch

grito

El Grito es la pintura expresionista del artista noruego Edvard Munch que muestra una figura que sufre contra un cielo rojo sangre. La vista al fondo es el fiordo de Oslo visto desde una colina en Oslo. Edvard Munch produjo varias versiones de El grito. Dos de ellas son pinturas, una perteneciente a la Galería Nacional de Oslo y la otra al Museo Munch. Más tarde, Munch llamó a la serie ‘Friso de la vida’ y describió estas pinturas como un poema de amor, vida y muerte.

The Scream se basa en una experiencia que tuvo Munch mientras caminaba con dos de sus amigos en Ekebergåsen, en las afueras de Christiania.

“Estaba caminando con dos de mis amigos, el sol se estaba poniendo. De repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, me sentí exhausto y me apoyé contra la cerca. Había lenguas de sangre y fuego sobre el fiordo negro azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron caminando y yo me quedé allí temblando de miedo y sentí un grito interminable atravesando la naturaleza…”


4) Guernica – Pablo Picasso

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Una de las obras más sublimes de Pablo Picasso, Guernica cuenta la triste historia del bombardeo del pueblo del mismo nombre. Se representa en la ciudad vasca de Guernica durante la Guerra Civil española como una reacción repentina al bombardeo indiscriminado de la ciudad por parte de los nazis.

Pintado en 1937, Guernica se considera una de las obras de arte contra la guerra más grandes y poderosas de todos los tiempos. La obra maestra de Picasso se exhibe en el Museo Reina Sofía de Madrid. Una copia de la famosa obra se encuentra colgada en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York.


5) La persistencia de la memoria – Salvador Dalí

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La obra maestra de Salvador Dalí, La persistencia de la memoria, que llevó al lienzo en 1931, es un conocido símbolo del surrealismo con su extraño tema y su atmósfera onírica, y también se encuentra entre las pinturas más famosas. Salvador Dalí , un importante representante del Surrealismo, profundiza en esta mentalidad artística, que él ve como revolucionaria y liberadora, y explica su acercamiento al arte como «El Surrealismo es destructivo».

Desarrollada por el artista en 1930, la técnica se basa en la paranoia y las alucinaciones autoinducidas para facilitar una obra de arte. Para contextualizar el lugar de la pieza icónica en la historia del arte, es necesario comprender sus influencias únicas, examinar su contenido simbólico y comprender el enfoque vanguardista del artista para su creación.

La lectura y asimilación de Dalí de las teorías inconscientes de Freud apunta a los deseos inconscientes y la paranoia de la mente humana, como el miedo a la muerte, que muestra esta imagen. Esta pintura, que es un poco más grande que una hoja de cuaderno, ha ocupado su lugar en la historia del arte mundial.


6) Tres músicos – Picasso

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Esta obra, pintada por Picasso en Francia en 1921, se encuentra entre las pinturas más famosas. Hoy se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El cuadro de los Tres Músicos es un cuadro de gran tamaño que mide más de 2 metros de ancho y alto. El hecho de que la pintura sea una obra importante y famosa es que es un ejemplo del movimiento del cubismo sintético. El cubismo sintético, que es un período corto del cubismo, es el uso de colores más vivos y audaces que el período anterior.

En esta obra, Picasso representa a tres músicos hechos de formas abstractas, sencillas y de colores brillantes en una habitación con forma de caja. Hay un clarinetista a la izquierda, un guitarrista en el medio y un cantante a su lado con partituras. En el medio hay una figura de Arlequín que viste un traje de colores brillantes y vibrantes. Se cree que el personaje Pierrot blanco de la izquierda es el poeta Guillaume Apollinaire. La figura oscura de la derecha representa al poeta Max Jacob.

En esta obra, en la que aparecen representados tres músicos, el escenario marrón en forma de caja y todo lo que aparece en el cuadro están formados por formas planas. Las formas que componen a los músicos se superponen como si fueran recortes de papel, y no está claro dónde comenzaron y terminaron los músicos. Estos tres músicos transmiten colores vivos, formas angulares y patrones planos a los amantes de la pintura. El estilo cubista sintético se muestra más audazmente en esta pintura.


7) Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte – Georges Seurat

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Una tarde de domingo en la isla de Grande Jatte es considerada la pintura más famosa de Georges Seurat. Este cuadro, expuesto en París, está considerado como uno de los cuadros más notables del siglo XIX. Abordó el color, la luz y las cuestiones formales con una visión científica. Influenciado por su investigación en óptica y teoría del color, creó su pintura yuxtaponiendo pequeñas manchas de color a través de la mezcla óptica.

Este método que desarrolló es la técnica del divisionismo. Rodeando su lienzo con un marco de líneas y puntos pintados, encierra este marco en un marco de madera blanca. Esta famosa pintura, que creó con millones de puntos, tomó dos años para el artista.

La perfección de Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte, la quietud y las sombras en las poses de las figuras logran mantenerlas para siempre en silencio y misterio. Georges Seurat hizo muchos dibujos previos y costuras engrasadas para obtener la pintura original. Este cuadro, que consta de 48 personas, 3 perros y 1 mono, ha cambiado muchas veces. Esta quietud y momento real donde la vida se detiene es una de las pinturas más famosas realizadas con la técnica del divisionismo.


8) La joven de la perla – Johannes Vermeer

chica con aretes de perlas

En nuestras pinturas más famosas, le sigue La joven de la perla de Vermeer. Es la pintura más famosa del artista. Vermeer es uno de los pintores holandeses más famosos del siglo XVII. Es famoso por sus escenas hogareñas ligeras, animadas e íntimas. Siempre le ha gustado crear un ambiente atemporal. No es un retrato, sino una imagen de una figura imaginaria. ¿Quién es la chica de la perla? Esta mujer llama la atención por la dulzura de su rostro, su porte sincero y su gran arete de perlas.

Descrito como un maestro de la luz, se dice que las pinturas de Vermeer están llenas de misterio. Algunos críticos lo describen como un ‘tronie’, no como un retrato, es decir, un trabajo de cabeza y hombros vestidos con ropas exóticas. Es una pintura que atrae a la gente por los misterios que encierra y la perla, que es mucho más grande que la verdad.

La pintura se hizo famosa en la exposición de Vermeer en la Galería Nacional de Arte de Washington a finales del siglo XX. Los colores, la luz, la sencillez de la imagen y al mismo tiempo ser bastante misteriosa han hecho famosa la pintura. También se ha sugerido que la joven de la perla puede ser la hija mayor del artista, María. Se ha sugerido que incluso podría tener novia.Con todos estos misterios, la pintura sigue siendo popular.

Para aquellos que quieran ver, podemos recomendar la película de 2004 La joven de la perla , protagonizada por Scarlett Johansson.


9) La madre de Whistler – James Abbott McNeill Whistler

cuadros mas famosos

El hecho de que la pintura de Whisler de 1871 esté incluida en la clasificación de pintura más famosa es que se encuentra entre las mejores de su método. Cambiar y usar la gradación de colores individuales es su mayor talento. Es el mejor y pionero del movimiento del tonalismo. Los colores aparecen borrosos y se desvanecen en la superficie. Por ejemplo, usar el color rosa en la cara vagamente y dar el color de la piel. El tonalismo es crear la atmósfera con colores predominantemente azules, marrones y grises y tratar de crear una cortina de humo.

Su madre se muda de Estados Unidos a Londres a la casa de Whistler. Cuando su modelo no viene ese día, considera usar a su madre como modelo. Consideró sentarse en un modelo más viejo y poner apoyo debajo de sus pies. Aprovechando el contraste entre los colores negro, blanco y gris, dibujó este hermoso cuadro. Y se convirtió en una imagen que adorna las postales del Día de la Madre en todo el mundo. Antes de que la pintura se hiciera famosa, Whistler incluso la prometió.


10) Retrato de L’artiste Sans Barbe – Vincent William van Gogh

cuadros mas famosos

Es una pintura al óleo sobre lienzo del pintor postimpresionista Vincent van Gogh en 1889. La última pintura que le dio a su madre como regalo de cumpleaños es su propia pintura. La razón por la que esta pintura es famosa y lo que la diferencia de otros autorretratos es que Vincent van Gogh la dibujó para la celebración del cumpleaños de su madre poco antes de su suicidio en 1890. Estaba enfermo, y para demostrarle a su madre que estaba bien, se pintó limpio, afeitado y severo. Los aspectos más destacados fueron bastante duros.

Estaba entre las pinturas más caras cuando se vendió por 71.500.000 dólares en Nueva York en 1998.


11) La ronda de noche – Rembrandt

La ronda de noche

Una de las pinturas más famosas de Rembrandt es The Night’s Watch. Representa el momento en que los guardias civiles de Ámsterdam toman su lugar y salen a proteger la ciudad. Lo que hace famosa a esta pintura es que Rembrandt fue la primera persona en pintar figuras en movimiento en un retrato de grupo. Se ha visto muy raramente en diversidad de luz.

Por ejemplo, la mano del Capitán Frans Bannick Cocq parece que se va a salir del cuadro, y con este gesto ordena a su compañía, los guardias, que actúen. La mano del capitán proyecta una sombra sobre el teniente, y con esta sombra nos indica la dirección en la que incide la luz sobre el cuadro. Coloca a las personas importantes en la luz y coloca a los guardias detrás de la jerarquía en la sombra.

La pintura ofrecía algo inusual en los puertos del grupo del siglo XVII en los que fue realizada, los fuertes contrastes de luz y oscuridad. Generalmente, se utilizó una iluminación igual en las pinturas. Los soldados miran en todas direcciones, no se dan en filas rectas y no son estáticos. Rembrandt señala a la izquierda con el brazo del sargento Rombout Kemp y le da movimiento a la imagen con él.

The Night Watch, que es un estilo completamente nuevo para su época, mantiene su lugar entre las pinturas más famosas incluso hoy en día con estas características.


12) El beso – Gustav Klimt

Beso

La pintura, que superó incluso la fama de Gustav Klimt, también se encuentra entre las pinturas más famosas. Se exhibió en la exposición de arte Kunstschau en 1908. Esta obra, creada por el pintor en su época dorada, muestra a una pareja abrazándose. Es una pintura en la que predominan los tonos amarillos.

Tiene una imagen dinámica, como si el hombre continuara besando a la mujer, mientras la mujer sostiene la mano del hombre con su mano y nunca quiere irse. Transmite un amor sereno e integrado en esta actividad. Como si la mujer cerrara los ojos por el efecto del beso, dejándose para la eternidad, el hombre agarrando el rostro de la mujer con sus manos no cesará…

Entre las fuentes de inspiración de El beso se encuentran motivos de varias épocas, especialmente los mosaicos bizantinos y la mitología egipcia. Los críticos de arte también se refieren a esta pintura como una pintura en la que Klimt renunció a las mujeres en el estilo femme fetale y regresó de las representaciones dominantes.

Sobre las identidades de la pareja del cuadro se han planteado diversas opiniones, que se han discutido desde el primer día. La opinión más debatida entre las opiniones es que el hombre es el propio Klimt, y la mujer es Emilie Flöge, el amor de la vida, gran compañera y apoyo. Utilizó la técnica de decoración elaborada y detallada del movimiento ‘art nouveau’ de Klimt con bastante éxito en El beso.


13) Nenúfares – Claude Monet

cuadros mas famosos

Claude Monet es el fundador de la escuela del impresionismo en pintura. Es mejor conocido por sus pinturas de paisajes. La afirmación de Monet ya es suficiente para describir su enfoque de la pintura: “Quizás debo mi ser pintor a las flores.” Monet pintó más de doscientos cincuenta cuadros de flores de loto.

Monet escribió en 1908 que se había obsesionado con los paisajes de agua y reflejos. Eligió diferentes nenúfares e híbridos de flores para su jardín y los usó para sus pinturas para poder ver flores en tantos colores. Nenúfares es considerado el máximo exponente del impresionismo.

Comienza a trabajar en un pueblo de Giverny cerca del río Sena en París. Quería construir un estanque con un arroyo que atravesara su propiedad. Eventualmente creó un jardín de estilo japonés y comenzó a pintar ‘Nenúfares’, aislándose del exterior. Esta pintura es uno de los mejores ejemplos de la serie Lotus.

La serie Water Lilies es una de las series de arte moderno más llamativas y conocidas de todos los tiempos. La perspectiva del artista, el uso de colores y la iluminación hacen que sus obras sean únicas a pesar de los temas e imágenes repetitivos en sus pinturas. Por ejemplo, por la noche, los azules se dibujaban más oscuros y profundos, despertando misterio. Los nenúfares dibujados durante el día, en cambio, se dibujan con colores más vivos, evocando sentimientos como la pasión y la frescura.


14) El Portador de Flores – Diego Rivera

El portador de flores

Las pinturas más famosas del Portador de Flores, pintadas por el muralista mexicano Diego Rivera en 1935, están en nuestro artículo. Los colores vivos utilizados en la pintura parecen evocar al Vincet van Gogh favorito del pintor. Representa la lucha de un aldeano con un vestido blanco y un sombrero de fieltro amarillo para llevar una gran canasta de flores en una percha amarilla.

Si es una mujer, tal vez su esposo u otro empleado esté tratando de mantenerla. Las maravillosas flores en la canasta solo pueden ser consideradas como un artículo para ser vendido por el transportista, él no puede ver estas bellezas. Es solo alguien que quiere ganarse la vida. Para algunos críticos, esta enorme canasta representa las penurias que el mundo capitalista impone a un trabajador. Rivera ya era socialista, y por eso siempre le ha interesado el tema de los trabajadores y los pobres.

El pintor utiliza contrastes audaces e intensos con cada elemento que utiliza en su pintura. Para crear esta imagen, produzca muchos dibujos de trabajo con carboncillo, tiza. El Portador de Flores fue creado utilizando aceite y témpera sobre masonita. La obra forma parte de la colección Albert M. Bender y se exhibe en el SF MOMA.


15) Gótico americano – Grant Wood

gótico americano

La pintura gótica estadounidense del pintor estadounidense Wood se convirtió en una sensación en el país cuando se exhibió en el Instituto de Arte en 1930. Se han planteado diversas ideas sobre sus figuras, personajes e historia. La pintura fue retratada por muchos como habitantes del medio oeste que no podían mantenerse al día con el mundo moderno. Wood es una de las principales figuras del movimiento regionalista. Este movimiento no se trata de la pintura, sino del tema que tratan desde sus obras. Estos artistas utilizan temas de la vida rural en sus obras.

A Wood le gusta la ventana de una casa que ve en Iowa y quiere pintarla. La casa fue construida en el estilo llamado gótico carpintero. Utiliza a su dentista y a su hermana como marido y mujer como modelos. Tan pronto como la pintura ingresa a la competencia, gana un premio de trescientos dólares gracias al director del museo.

Cuando la imagen comenzó a publicarse en los periódicos, la gente de Iowa objetó, dijeron que no podemos dibujarnos malhumorados, no somos esa gente. Reaccionan a la pintura porque no nos casamos con mujeres mucho más jóvenes que nosotros. A raíz de estas reacciones, su hermana dice que aquí se ha comprometido la relación de hija y padre, no de marido y mujer. Dado que el cuadro coincide con los años de la gran depresión, se convierte en un cuadro familiar que trabaja con tesón y luchas.


16) Terraza de café por la noche – Vincent William van Gogh

cuadros mas famosos

Cafe Terrace at Night es una pintura de Vincent van Gogh en 1888. Es una obra pintoresca. Es como si fuéramos testigos de este momento vívido a través de los ojos de alguien que observa una colorida escena al aire libre. Van Gogh escribió: «La noche tiene colores más vivos y ricos que el día». Esta obra respalda esta afirmación.

Una de las características más llamativas de la pintura es el contraste entre los cálidos colores amarillo, verde y naranja debajo de la marquesa y un azul profundo del cielo estrellado reforzado por el azul oscuro de las casas. Aunque la pintura incluye una noche, no se utiliza el color negro en la obra. Aunque no hay datos científicos, en algunos artículos está escrito que las posiciones de las estrellas son astronómicamente correctas.

Cafe Terrace at Night es una de las tres pinturas de Arles de Van Gogh que muestran su propio cielo repleto de estrellas. Starry Night Over the Rhone y Starry Night son otras obras de la trilogía. El café de la foto todavía está en funcionamiento y ha cambiado su nombre a Café Van Gogh.

En la revisión científica de Jared Baxter presentada en la Conferencia Europea de Artes y Humanidades, dijo que la pintura de Van Gogh contiene referencias a la Última Cena de Da Vinci. Sugirió que los personajes principales deberían incluir una figura central de cabello largo rodeada por 12 personas y el resplandor de la cruz en la parte posterior de la composición.


17) El Hijo del Hombre – René Magritte

Hijo de hombre

La obra surrealista del pintor belga Magritte de 1946 se encuentra entre las pinturas más famosas. La pintura del autorretrato consiste en un hombre con un bombín de pie frente a una pared con un mar y un cielo nublado al fondo. El rostro del hombre está en gran parte oscurecido por una manzana verde.

El ojo izquierdo del hombre parece asomarse por los bordes de la manzana. Si observa cuidadosamente el brazo izquierdo, el codo está hacia afuera y el brazo está tirado hacia atrás. La pintura del Hijo del Hombre se ha convertido en una de las pinturas más icónicas del movimiento surrealista. Buscar la causa no traerá mucho beneficio y no alcanzarás el resultado.

En sus propias palabras, dice de este cuadro:

“Al menos oculta parcialmente la cara. Entonces tienes la cara visible, la manzana, la cara de la persona que esconde lo visible pero está escondido. Es una cosa constante. Todo lo que vemos esconde algo más, siempre queremos ver lo que vemos esconde. Hay un interés por lo que está oculto y lo que no nos muestra lo visible. Se puede decir que este interés, una emoción muy intensa, toma la forma de una especie de conflicto entre lo visible y el presente.

Las pinturas misteriosas de Magritte han sido y continúan siendo utilizadas en muchas áreas de la cultura popular.


18) El nacimiento de Venus – Sandro Botticelli

nacimiento de venus

Pintada por Botticelli entre 1483 y 1485, esta obra es una pintura deslumbrante con su tono metafísico, vista al mar y calidad de realidad, y se encuentra entre las pinturas más famosas. Esta pintura para la familia Medici es bastante extraordinaria para su época, iluminada por una luz delicada. Se revela mediante un trabajo al temple sobre un lienzo.

El tema del nacimiento de Venus se tomó de los escritos del poeta Homero y, según la interpretación tradicional, después del nacimiento de Venus, fue a la isla de Citera en una concha marina. A la izquierda de la pintura está la figura de Zephyrus y su ninfa Cloris soplando el viento para ayudar a Venus. En la orilla, una figura llamada Pomona, la diosa de la primavera, espera a Venus con un manto ondeando al viento.

El artista prestó atención a los largos peinados y estilos de vestir de las mujeres del siglo XV. Una de las características más llamativas es la representación desnuda de Venus en la pintura. Porque las representaciones de mujeres desnudas no se encuentran en la Europa medieval, excepto en algunos casos.

Pintar un tema clásico con una elegancia perfecta valor añadido a la pintura. Venus dibujó una línea oscura alrededor de su cuerpo para acentuar su piel lechosa, haciendo que casi pareciera que Venus estaba hecha de mármol. Destacó la naturalidad escultórica del cuerpo de Venus.


19) Bal du moulin de la Galette – Pierre Auguste Renoir

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Una de las obras importantes del movimiento impresionista es Bal du Moulin de la Galette, realizada por el pintor Renoir a la edad de treinta y cinco años. La obra, que consta de los modelos que utilizó en sus obras y las figuras que realizó tomando como modelos a sus amigos, se exhibe en el Museo de Orsay de París. Es una foto de personas que se conocen y no se conocen en un café en Paris Montmart.

El pintor pintó a los que están bailando, charlando, mirando a la gente que le rodea, en una acción. Hay un pastel llamado galette en el menú de este café, al que también acudió Renoir, y el pintor eligió este plato cultural para su obra.

En esta obra de múltiples figuras de Renoir, las personas que conversan en el frente y las personas que bailan en la pista de baile agregan movimiento a la imagen. El pintor, que nos regaló un momento de multitud, creó un momento de fiesta que nos incluyó con la vivacidad de su obra. El modelo de figura femenina con un vestido a rayas en la primera fila es Estelle.

Pintó sobre la mesa a Frank Lamy, Norbert Goeneutte y Georges Riviere, y sobre la pista de baile a su modelo Margot y su amigo el pintor cubano. Las manchas en las figuras son en realidad la luz del sol que golpea las hojas de los árboles. Renoir nos da la misma imagen sin distorsionarla y revela el detalle más importante del movimiento impresionista.


20) Perros jugando al póquer – Cassius Marcellus Coolidge

Perros jugando al póquer

A diferencia de este trabajo, que está en nuestra lista de las pinturas más famosas, las pinturas de Coolidge no fueron consideradas verdaderas obras de arte por la mayoría de los críticos. Pero sus obras se han vuelto icónicas en el mundo de la cultura popular. Coolidge desarrolló una carrera como ilustrador. La primera imagen de la serie Dogs Playing Poker es 1984 Poker Game. Sus obras, junto a los carteles, lograron entrar en los hogares de millones de personas con fines publicitarios.

La más famosa de estas series de dieciocho mesas fue A Friend in Need. Ver al bulldog en primer plano lanzando un as en secreto a su compañero hace que la pintura sea divertida. La representación del amigo más leal de la gente, su mejor amigo, en tal engaño ha hecho que la pintura sea popular. El original nunca salió a la venta y se cree que su valor está muy por encima de las estimaciones.


21) Halcones Noctámbulos – Edward Hopper

búhos nocturnos

Nighthawks es la famosa pintura de Hopper que pintó en 1942. Hopper dice de esta pintura: “Estoy pintando, inconscientemente, probablemente la soledad de una gran ciudad.” Un restaurante que está abierto toda la noche, tres clientes y un empleado frente a él. Hopper crea una escena tranquila, hermosa pero misteriosa con formas geométricas armoniosas y el brillo de la iluminación del café.

Aunque se inspiró en un restaurante que vio en Greenwich Avenue en Nueva York, de manera realista no incluyó el restaurante en su trabajo. Las calles están limpias y vacías. No hay entrada al café, los clientes parecen desconectados unos de otros. Como espectadores de la pintura, sentimos curiosidad por estas figuras, sus relaciones y el entorno.

Gail Levin, quien escribió la biografía de Hopper, cree que fue influenciado por Cafe Terrace at Night de Van Gogh, considerando las similitudes en términos de iluminación y tema. Pero no hay evidencia clara de ningún efecto. Los cuatro noctámbulos no identificados están tan separados que se podría pensar que Hopper se refiere al aislamiento de los habitantes urbanos. La figura femenina pelirroja en realidad se inspiró en la esposa del artista, Jo.


22) La gran ola de Kanagawa – Katsushika Hokusai

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Una de las series Treinta y seis paisajes del monte Fuji, La gran ola de Kanagawa es una de las pinturas más famosas de la pintura japonesa y mundial. Presenta la figura de Hokusai de un pequeño monte Fuji en la distancia, bajo la cresta de una ola gigante. Hokusai descubrió formas occidentales de opresión que llegaron a su país a través del comercio holandés. Los ángulos oblicuos se alimentan de los contrastes entre lo cercano y lo lejano, entre el hombre y la naturaleza.

Ukiyo-e es el nombre de la xilografía japonesa de los métodos. El cuadro fue realizado con una xilografía multicolor realizada con tinta y color sobre papel entre 1830 y 1833. Hokusai se alejó del tema tradicional de los grabados ukiyo-e, haciendo imágenes de prostitutas y personajes famosos, y se centró en la vida cotidiana de la gente de Jopan.

En las orillas de la montaña vemos entre las olas, podemos ver a los pescadores luchando con el mar. Inicialmente, se produjeron rápidamente muchas copias de esta pintura. Se convirtió en fuente de inspiración para muchos artistas que trabajaban en Europa a finales del siglo XIX. En todas las imágenes de la serie hay una imagen del Monte Fuji, mientras que en esta pintura, la montaña está atrapada entre enormes olas.

El monte Fuji, que se encoge con la perspectiva, parece como si fuera a ser tragado por las olas. La espuma de las olas también hace que parezca que la montaña está nevando. Después de que la exhibición de Hokusai se exhibiera en París, comenzó el movimiento artístico llamado Japonisme. Los impresionistas como Monet admiraban los grabados japoneses.


23) La creación de Adán – Miguel Ángel

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Los frescos encontrados en el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano cubren nueve escenas separadas del Antiguo Testamento de Miguel Ángel . En medio de estos frens está el fresco de la Creación de Adán. Ha sido una obra que ha sido efectivamente transmitida por la descripción e interpretación de Miguel Ángel. La creación de Adán se ha cubierto en muchas obras, pero el logro de Miguel Ángel aquí es su habilidad superior para representar el cuerpo humano.

Los temas religiosos son una fuente frecuente de inspiración para los artistas del Renacimiento. Pero ha llevado el tema a una dimensión diferente. Dios se da como musculoso pero viejo y canoso, intentando volar hacia delante. Esta representación de dios no es muy similar a las anteriores, en el pasado había representaciones de dioses que se veían fuertes con sus ropas. En esta pintura, sin embargo, hay una narración sencilla con los brazos y las piernas ligeramente abiertos, pero mostrando su fuerza con los músculos.

Adán, por otro lado, se representa respondiendo de mala gana al toque de Dios. Se han expuesto algunas opiniones sobre la figura femenina bajo el brazo de Dios. Eva, que esperará con Dios hasta que sea creada de la costilla de Adán. En visiones posteriores, se han producido teorías de que es la Virgen María quien será la madre del mesías.

No debe olvidarse que el arte primario de Miguel Ángel tiene su origen en la escultura, ya que los cuerpos aparecen como musculosos y ágiles, es decir, esculturas. Sin embargo, por mucho significado que se le atribuya al cuadro, no se sabe qué pensó el artista al retratar este cuadro.


24) La Última Cena – Leonardo da Vinci

ultima Cena

La obra que casi todo el mundo ve en nuestros cuadros más famosos es el cuadro de la Última Cena. Esta pintura, pintada entre 1494 y 1498, representa la última cena entre los apóstoles, la noche antes de que Jesús fuera traicionado por sus apóstoles.

La famosa pintura en la pared del comedor del antiguo convento dominico de Santa Maria delle Grazie es La última cena. Es una pintura gigante de 4,60 metros de alto y 8,80 metros de ancho. Aparte de los métodos habituales en la época de los frescos, se realizó con témpera y óleo sobre yeso. Pero este método provocó que se cayera y fuera reparado unos años más tarde.

Los misterios y oscuridades de la pintura son de interés para historiadores, investigadores y novelistas. Por ejemplo, en la novela de Dan Brown El Código Da Vinci, se dice que la figura a la derecha de Jesús no es Juan sino una figura femenina. Por supuesto, estos son todavía misterios sin resolver. Algunos críticos de arte dicen que el interés por la pintura es sólo por los misterios que encierra y que estas personas echan de menos el increíble sentido de la perspectiva que encierra la obra.

Leonardo era conocido por su afición a la simetría, y en esta obra la disposición es en gran parte horizontal. Proporcionó simetría colocando el mismo número de figuras a ambos lados de Jesús, es decir, a la derecha ya la izquierda. Leonardo clavó un clavo en la pared y luego ató cuerdas a la pared para crear los ángulos de la pintura.

Según el músico italiano Giovanni Maria Pala, da Vinci combinó notas musicales en la pintura. Incluso creó una melodía de cuarenta segundos a partir de las notas que afirmó haber escondido en 2007.


25) El jardín de las delicias – Hieronymus Bosch

cuadros mas famosos

La última obra de nuestra lista de pinturas más famosas es el óleo llamado El jardín de las delicias, que el pintor holandés Hieronymus Bosch llevó a su lienzo entre 1490 y 1500. Es la pintura más compleja, enigmática y famosa de Bosch. Su cubierta exterior se fusiona para formar una forma esférica perfecta. Hay una figura de dios sosteniendo un libro abierto en la esquina superior de la cubierta exterior izquierda. Se interpreta como la representación del gran diluvio y del tercer día cuando Dios limpió el mundo del mal y creó las flores, los árboles y todas las plantas.

En la primera parte, Dios le presenta a Eva a dem. El unicornio, otras criaturas híbridas y animales menos conocidos, pájaros, peces, serpientes, insectos, elefantes y jirafas están representados en el jardín del Edén.

En el medio, es decir, el panel central, es la sección de la que la mesa toma su nombre. Lo que El Bosco quiere transmitir con figuras desnudas dedicadas a un trabajo sensual se interpreta como una advertencia contra la lujuria. La mayoría de las figuras aparecen dentro de huevos o cáscaras, alimentándose de frutas de pájaros y extrañas criaturas híbridas. Hay descripciones de consumir moras vorazmente, preferir las moras a los champiñones y consumirlas de forma exagerada.

En la tercera parte, encontramos la descripción del infierno. Según los críticos de arte, Bosch ha guardado lo mejor para el infierno. En la representación con oscuridad en el fondo, muros de la ciudad como una prisión, cuerpos humanos en montones son sometidos a extrañas torturas a manos de verdugos extrañamente vestidos o animales-demonios. Un pájaro extraño sentado en el asiento de un inodoro se traga a las personas y las arroja nuevamente. Hay un retrato en algún lugar de la pintura, y también existe la opinión de que es el autorretrato de Bosch.
Esta pintura seguirá siendo un gran misterio con sus misterios y lo que quiere contar.

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