Quand vous pensez aux tableaux les plus célèbres, quels tableaux vous viennent à l’esprit ? Le but de notre patch, les peintures les plus célèbres de l’histoire de l’art, est de vous faire découvrir ces peintures célèbres, qui diffèrent de la compréhension de l’art avant elle, et qui sont un tournant pour l’avenir.
Ils ont tous de très longues histoires. Nous avons aussi brièvement abordé les relations des tableaux avec leurs créateurs. Alors que certains d’entre eux ont été créés avec de toutes nouvelles méthodes avec une compréhension au-delà de leur âge, certains d’entre eux ont reflété les côtés les plus sombres et les plus mystérieux du subconscient humain sur une toile. Voici notre article sur ces peintures célèbres qui vous emmèneront ailleurs et vous feront vous demander comment, pourquoi et quand elles les ont dessinées.
Peintures les plus célèbres
1) Mona Lisa – Léonard de Vinci
Le premier morceau de notre liste des peintures les plus célèbres est la Joconde, que tout le monde de 7 à 70 ans connaît. Léonard de Vinci , qui a de nombreux titres tels que peintre, architecte, mathématicien, aurait peint la Joconde entre 1503-1507. Bien que la femme du tableau soit supposée être l’épouse de Léonard de Vinci, Lisa Gherardini, le peintre a longtemps conservé le portrait.
Après la mort du peintre, le roi de France François Ier achète le tableau. La Joconde a été volée au Louvre en 1911, mais elle a été découverte quelques heures plus tard. Le plus grand vol de l’histoire a peut-être eu lieu et le tableau est devenu une icône à moins que le voleur ne soit retrouvé.
Le voleur, Honoré Gery, a été surpris en train de vendre plusieurs statuettes du Louvre à un journaliste. Le voleur a déclaré avoir donné son sac plein d’artefacts à Pablo Picasso. Picasso a également rejoint les suspects de Mona Lisa, mais a nié avoir le tableau. Ensuite, l’affaire a été classée et après deux ans, il a été entendu que le tableau était en la possession d’un Italien nommé Vincenzo Perugia. Le voleur a volé le tableau non pas pour le vendre, mais parce qu’il pensait qu’il appartenait à l’Italie avec des sentiments nationalistes.
Si vous voulez voir la Joconde, vous pouvez la visiter au Musée du Louvre en France.
2) La nuit étoilée – Vincent van Gogh
Le tableau Nuit étoilée du célèbre peintre néerlandais Vincent Van Gogh en 1889 fait partie des tableaux les plus célèbres. Van Gogh, qui a séjourné dans un hôpital psychiatrique en France en raison de ses problèmes mentaux, a poursuivi son travail pendant cette période. La peinture de la nuit étoilée a émergé avec le dessin de la vue qu’il a vue de la fenêtre de l’hôpital psychiatrique où il a séjourné. Gogh a transféré le tableau La nuit étoilée, dont on pense qu’il a une vue nocturne, sur sa toile pendant la journée, et il s’est avéré être l’un des plus beaux tableaux du monde.
La nuit étoilée est exposée au Museum of Modern Art de New York depuis 1941.
3) Le Cri – Edvard Munch
The Scream est la peinture expressionniste de l’artiste norvégien Edvard Munch qui montre une figure souffrante contre un ciel rouge sang. La vue en arrière-plan est l’Oslofjord vu d’une colline à Oslo. Edvard Munch a produit plusieurs versions de The Scream. Deux d’entre eux sont des peintures, l’une appartenant à la National Gallery d’Oslo et l’autre au Munch Museum. Munch a nommé plus tard la série « Frieze of Life » et a décrit ces peintures comme un poème d’amour, de vie et de mort.
The Scream est basé sur une expérience vécue par Munch alors qu’il se promenait avec deux amis à Ekebergåsen, à la périphérie de Christiania.
« Je me promenais avec deux de mes amis, le soleil se couchait. Soudain, le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, je me suis senti épuisé et je me suis appuyé contre la clôture. Il y avait des langues de sang et de feu sur le fjord bleu-noir et la ville. Mes amis ont continué à marcher et je suis resté là tremblant de peur et j’ai senti un cri sans fin courir à travers la nature… »
4) Guernica – Pablo Picasso
L’une des œuvres les plus sublimes de Pablo Picasso, Guernica raconte l’histoire pathétique du bombardement de la ville du même nom. Il est représenté dans la ville basque de Guernica pendant la guerre civile espagnole comme une réaction soudaine au bombardement aveugle des nazis sur la ville.
Peint en 1937, Guernica est considéré comme l’une des plus grandes et des plus puissantes œuvres d’ art anti-guerre de tous les temps. Le chef-d’œuvre de Picasso est exposé au Museo Reina Sofia à Madrid. Une copie du célèbre ouvrage se trouve accrochée au siège des Nations Unies à New York.
5) La persistance de la mémoire – Salvador Dali
Le chef-d’œuvre de Salvador Dalí, La persistance de la mémoire, qu’il a mis sur la toile en 1931, est un symbole bien connu du surréalisme avec son sujet étrange et son atmosphère onirique, et fait également partie des peintures les plus célèbres. Salvador Dalí , important représentant du surréalisme, approfondit cette mentalité artistique, qu’il considère comme révolutionnaire et libératrice, et explique son approche de l’art comme « le surréalisme est destructeur ».
Développée par l’artiste en 1930, la technique repose sur la paranoïa et les hallucinations auto-induites pour faciliter une œuvre d’art. Afin de contextualiser la place de l’œuvre iconique dans l’histoire de l’art, il est nécessaire de comprendre ses influences uniques, d’examiner son contenu symbolique et de saisir l’approche avant-gardiste de l’artiste dans sa création.
La lecture et l’assimilation par Dali des théories inconscientes de Freud indiquent les désirs inconscients et la paranoïa de l’esprit humain, comme la peur de la mort, que cette image montre. Ce tableau, légèrement plus grand qu’un papier de cahier, a pris sa place dans l’histoire de l’art mondial.
6) Trois Musiciens – Picasso
Cette œuvre, peinte par Picasso en France en 1921, fait partie des tableaux les plus célèbres. Elle se trouve aujourd’hui au Museum of Modern Art de New York. Le tableau des Trois Musiciens est un grand tableau mesurant plus de 2 mètres de largeur et de hauteur. Le fait que la peinture soit une œuvre importante et célèbre est qu’elle est un exemple du mouvement du cubisme synthétique . Le cubisme synthétique, qui est une courte période du cubisme, est l’utilisation de couleurs plus vives et audacieuses que la période précédente.
Dans cette œuvre, Picasso représente trois musiciens constitués de formes abstraites unies, aux couleurs vives, dans une pièce en forme de boîte. Il y a un clarinettiste à gauche, un guitariste au milieu et un chanteur à côté de lui avec des partitions. Au milieu se trouve une figure d’Arlequin vêtue d’un costume aux couleurs vives et éclatantes. Le personnage de Pierrot blanc à gauche serait le poète Guillaume Apollinaire. La figure sombre à droite représente le poète Max Jacob.
Dans cette œuvre, dans laquelle trois musiciens sont représentés, la scène brune en forme de boîte et tout dans l’image sont constitués de formes plates. Les formes qui composent les musiciens se chevauchent comme s’il s’agissait de découpes dans du papier, et on ne sait pas où les musiciens ont commencé et se sont arrêtés. Ces trois musiciens transmettent des couleurs vives, des formes anguleuses et des aplats aux amateurs de peinture. Le style cubiste synthétique est le plus audacieusement affiché dans cette peinture.
7) Un dimanche après-midi à l’île de la Grande Jatte – Georges Seurat
Un dimanche après-midi sur l’île de la Grande Jatte est considéré comme le tableau le plus célèbre de Georges Seurat. Ce tableau, exposé à Paris, est considéré comme l’un des tableaux les plus remarquables du XIXe siècle. Il a traité les problèmes de couleur, de lumière et de forme avec une vision scientifique. Influencé par ses recherches en optique et en théorie des couleurs, il crée sa peinture en juxtaposant de petites taches de couleur par mélange optique.
Cette méthode qu’il a développée est la technique du divisionnisme. Entourant sa toile d’un cadre de lignes et de points peints, il enferme ce cadre dans un cadre en bois blanc. Ce célèbre tableau, qu’il a créé avec des millions de points, a demandé deux ans à l’artiste.
La perfection d’Un dimanche après-midi sur l’île de la Grande Jatte, l’immobilité et les ombres dans les poses des personnages réussissent à les garder à jamais silencieux et mystérieux. Georges Seurat a fait beaucoup de dessins préliminaires et de coutures grasses pour obtenir la peinture originale. Ce tableau, composé de 48 personnes, 3 chiens et 1 singe, a changé plusieurs fois. Cette immobilité et ce moment réel où la vie s’arrête fait partie des peintures les plus célèbres réalisées avec la technique du divisionnisme.
8) Fille à la perle – Johannes Vermeer
Dans nos tableaux les plus célèbres, la Jeune fille à la perle de Vermeer vient ensuite. C’est le tableau le plus célèbre de l’artiste. Vermeer est l’un des peintres hollandais les plus célèbres du XVIIe siècle. Il est célèbre pour ses scènes de maison légères, animées et intimes. Il a toujours aimé créer un environnement intemporel. Ce n’est pas un portrait, mais une image d’un personnage imaginaire. Qui est la fille à la perle ? Cette femme attire l’attention par la douceur de son visage, son attitude sincère et sa grosse boucle d’oreille en perles.
Décrit comme un maître de la lumière, les peintures de Vermeer seraient pleines de mystère. Certains critiques le décrivent comme un «tronie», et non comme un portrait, c’est-à-dire un travail de la tête et des épaules vêtu de vêtements exotiques. C’est une peinture qui attire les gens par les mystères qu’elle contient et la perle, qui est bien plus grande que la vérité.
Le tableau est devenu célèbre dans l’exposition Vermeer à la Washington National Gallery of Art vers la fin du XXe siècle. Les couleurs, la lumière, la simplicité de l’image et en même temps assez mystérieux ont rendu le tableau célèbre. Il a également été suggéré que la fille à la perle pourrait être la fille aînée de l’artiste, Maria. Il a été suggéré qu’il pourrait même avoir une petite amie.Avec tous ces mystères, la peinture reste populaire.
Pour ceux qui veulent regarder, nous pouvons recommander le film Girl with a Pearl Earring de 2004, avec Scarlett Johansson.
9) La mère de Whistler – James Abbott McNeill Whistler
Le fait que la peinture de 1871 de Whisler soit incluse dans la classification de peinture la plus célèbre est qu’elle est parmi les meilleures de sa méthode. Changer et utiliser la gradation des couleurs simples est son plus grand talent. Il est le meilleur et le pionnier du mouvement tonaliste. Les couleurs apparaissent floues et apparaissent estompées à la surface. Par exemple, utiliser vaguement la couleur rose sur le visage et donner la couleur de la peau. Le tonalisme consiste à créer l’atmosphère avec des couleurs à dominante bleue, brune et grise et à essayer de créer un écran de fumée.
Sa mère déménage d’Amérique à Londres chez Whistler. Lorsque son modèle ne vient pas ce jour-là, elle envisage d’utiliser sa mère comme modèle. Il a envisagé d’asseoir un modèle plus ancien et de mettre un soutien sous ses pieds. Il a dessiné cette belle image en profitant du contraste entre les couleurs noir, blanc et gris. Et c’est devenu une image ornant des cartes postales pour la fête des mères dans le monde entier. Avant que le tableau ne devienne célèbre, Whistler l’a même mis en gage.
10) Portrait de L’artiste Sans Barbe – Vincent William van Gogh
Il s’agit d’une peinture à l’huile sur toile du peintre postimpressionniste Vincent van Gogh en 1889. Le dernier tableau qu’il a offert à sa mère comme cadeau d’anniversaire est son propre tableau. La raison pour laquelle ce tableau est célèbre et ce qui le rend différent des autres autoportraits est que Vincent van Gogh l’a dessiné pour la fête d’anniversaire de sa mère peu avant son suicide en 1890. Il était malade, et pour montrer à sa mère qu’il allait bien, il s’est peint propre, rasé et sévère. Les temps forts étaient assez durs.
Il figurait parmi les tableaux les plus chers lorsqu’il a été vendu pour 71 500 000 $ à New York en 1998.
11) La ronde de nuit – Rembrandt
L’un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt est La Garde de Nuit. Il dépeint le moment où les gardes civils d’Amsterdam prennent leur place alors qu’ils sortent pour protéger la ville. Ce qui rend ce tableau célèbre, c’est que Rembrandt a été le premier à peindre des personnages en mouvement dans un portrait de groupe. Il a été vu très rarement en diversité de lumière.
Par exemple, la main du capitaine Frans Bannick Cocq semble sur le point de sortir du tableau, et par ce geste il ordonne à sa compagnie, les gardes, d’agir. La main du capitaine projette une ombre sur le lieutenant, et avec cette ombre elle nous montre la direction dans laquelle la lumière tombe sur le tableau. Il place les personnes importantes dans la lumière et place les gardes derrière dans la hiérarchie dans l’ombre.
La peinture offrait quelque chose d’inhabituel dans le groupe de ports du XVIIe siècle dans lequel elle était réalisée, les forts contrastes de lumière et d’obscurité. Généralement, un éclairage égal était utilisé dans les peintures. Les soldats regardent dans toutes les directions, ne sont pas alignés et ne sont pas statiques. Rembrandt pointe vers la gauche avec le bras du sergent Rombout Kemp et ajoute du mouvement à l’image avec.
La ronde de nuit, qui est un tout nouveau style pour son époque, conserve sa place parmi les peintures les plus célèbres encore aujourd’hui avec ces caractéristiques.
12) Le Baiser – Gustav Klimt
La peinture, qui a même dépassé la renommée de Gustav Klimt, fait également partie des peintures les plus célèbres. Il a été exposé à l’exposition d’art Kunstschau en 1908. Cette œuvre, réalisée par le peintre à son âge d’or, montre un couple enlacé. C’est une peinture dominée par les tons jaunes.
Il a une image dynamique, comme si l’homme continuait d’embrasser la femme, tandis que la femme tenait la main de l’homme avec sa main et ne voulait jamais partir. Il véhicule un amour serein et intégré dans cette activité. Comme si la femme fermait les yeux sous l’effet du baiser, s’abandonnant à l’éternité, l’homme saisissant le visage de la femme avec ses mains ne s’arrêtera pas…
Parmi les sources d’inspiration du Baiser figurent des motifs de différentes époques, notamment les mosaïques byzantines et la mythologie égyptienne. Ce tableau est également désigné par les critiques d’art comme un tableau où Klimt a abandonné les femmes dans le style femme fœtale et est revenu des représentations dominantes.
Diverses opinions ont été avancées sur les identités du couple dans le tableau, qui ont été discutées depuis le premier jour. L’opinion la plus débattue parmi les points de vue est que l’homme est Klimt lui-même, et la femme est Emilie Flöge, l’amour de la vie, grande compagne et supportrice. Il a utilisé avec succès la technique de décoration élaborée et détaillée du mouvement « art nouveau » de Klimt dans Le Baiser.
13) Nymphéas – Claude Monet
Claude Monet est le fondateur de l’école impressionniste en peinture. Il est surtout connu pour ses peintures de paysages. L’affirmation de Monet suffit déjà à décrire son approche de la peinture : « Je dois peut-être être peintre aux fleurs. » Monet a peint plus de deux cent cinquante peintures de lotus.
Monet écrivait en 1908 qu’il était devenu obsédé par les paysages d’eau et de réflexion. Il a choisi différents nénuphars et hybrides de fleurs pour son jardin et les a utilisés pour ses peintures afin qu’il puisse voir des fleurs dans autant de couleurs. Les nénuphars sont considérés comme l’exemple le plus élevé de l’impressionnisme.
Il commence à travailler dans un village de Giverny près de la Seine à Paris. Il voulait construire un étang avec un ruisseau traversant sa propriété. Finalement, il a créé un jardin de style japonais et a commencé à peindre des « Nymphéas », s’isolant de l’extérieur. Ce tableau est l’un des meilleurs exemples de la série Lotus.
La série Water Lilies est l’une des séries d’art moderne les plus frappantes et les plus connues de tous les temps. La perspective de l’artiste, l’utilisation des couleurs et de l’éclairage rendent ses œuvres uniques malgré les sujets et les images répétitifs de ses peintures. Par exemple, le soir, les bleus étaient tirés plus sombres et plus profonds, suscitant le mystère. Les nénuphars dessinés pendant la journée, en revanche, sont dessinés avec des couleurs plus vives, évoquant des sentiments tels que la passion et la fraîcheur.
14) Le porteur de fleurs – Diego Rivera
Les peintures les plus célèbres du Flower Bearer, peintes par le muraliste mexicain Diego Rivera en 1935, sont dans notre article. Les couleurs vives utilisées dans le tableau semblent évoquer le Vincet van Gogh préféré du peintre. Il dépeint la lutte d’un villageois vêtu d’une robe blanche et d’un feutre jaune pour porter un grand panier de fleurs sur un cintre jaune.
S’il s’agit d’une femme, peut-être que son mari ou un autre employé essaie de la soutenir. Les merveilleuses fleurs dans le panier ne peuvent être considérées que comme un article à vendre pour le porteur, il ne peut pas voir ces beautés. C’est juste quelqu’un qui veut gagner sa vie. Pour certains critiques, cet énorme panier représente les difficultés que le monde capitaliste impose à un travailleur. Rivera était déjà socialiste, et c’est pourquoi les questions des travailleurs et des pauvres l’ont toujours intéressé.
Le peintre utilise des contrastes audacieux et intenses avec chaque élément qu’il utilise dans sa peinture. Pour créer cette image, réalisez de nombreux dessins de travail au fusain, à la craie. Le porte-fleurs a été créé à l’aide d’huile et de détrempe sur masonite. L’œuvre fait partie de la collection Albert M. Bender et est exposée au SF MOMA.
15) Gothique américain – Grant Wood
La peinture gothique américaine du peintre américain Wood fait sensation dans le pays lorsqu’elle est exposée à l’Art Institute en 1930. Diverses idées ont été avancées sur ses personnages, ses personnages et son histoire. La peinture a été dépeinte par beaucoup comme des habitants du Midwest qui ne pouvaient pas suivre le monde moderne. Wood est l’une des figures de proue du mouvement régionaliste. Ce mouvement ne concerne pas la peinture, mais plutôt le sujet qu’ils traitent à partir de leurs œuvres. Ces artistes utilisent des sujets de la vie rurale dans leurs œuvres.
Wood aime la fenêtre d’une maison qu’il voit dans l’Iowa et veut la peindre. La maison a été construite dans le style appelé Carpenter Gothic. Il utilise son dentiste et sa sœur comme mari et femme comme modèles. Dès que le tableau entre en compétition, il remporte un prix de trois cents dollars grâce au directeur du musée.
Lorsque la photo a commencé à être publiée dans les journaux, les habitants de l’Iowa ont protesté, ils ont dit que nous ne pouvions pas nous dessiner maussades, nous ne sommes pas de telles personnes. Ils réagissent à la peinture parce que nous n’épousons pas de femmes beaucoup plus jeunes que nous. À la suite de ces réactions, sa sœur dit que la relation entre la fille et le père, et non le mari et la femme, s’est engagée ici. Puisque la peinture coïncide avec les années de grande dépression, elle devient une peinture familiale qui travaille avec détermination et luttes.
16) Terrasse de café la nuit – Vincent William van Gogh
Cafe Terrace at Night est une peinture de Vincent van Gogh en 1888. C’est une œuvre pittoresque. C’est comme si nous étions témoins de ce moment vivant à travers les yeux de quelqu’un qui regarde une scène extérieure colorée. Van Gogh a écrit : « La nuit a des couleurs plus vives et plus riches que le jour. » Cette œuvre confirme cette affirmation.
L’une des caractéristiques les plus frappantes de la peinture est le contraste entre les couleurs chaudes jaune, vert et orange sous la marquise et une couleur bleu profond du ciel étoilé renforcée par le bleu foncé des maisons. Bien que la peinture comprenne une nuit, aucune couleur noire n’est utilisée dans l’œuvre. Bien qu’il n’y ait pas de données scientifiques, il est écrit dans certains articles que les positions des étoiles sont astronomiquement correctes.
Cafe Terrace at Night est l’un des trois tableaux d’Arles de Van Gogh qui montre son propre ciel étoilé. Starry Night Over the Rhone et Starry Night sont d’autres œuvres de la trilogie. Le café sur la photo est toujours en activité et a changé son nom en Café Van Gogh.
Dans la revue scientifique de Jared Baxter présentée à la Conférence européenne des arts et des sciences humaines, il a déclaré que la peinture de Van Gogh contient des références à la Cène de Da Vinci. Il a suggéré que les personnages principaux incluent une figure centrale aux cheveux longs entourée de 12 personnes et la lueur de la croix à l’arrière de la composition.
17) Le Fils de l’homme – René Magritte
L’œuvre surréaliste du peintre belge Magritte de 1946 fait partie des peintures les plus célèbres. La peinture autoportrait se compose d’un homme portant un chapeau melon debout devant un mur avec une mer et un ciel nuageux en arrière-plan. Le visage de l’homme est largement masqué par une pomme verte.
L’œil gauche de l’homme semble sortir des bords de la pomme. Si vous regardez attentivement le bras gauche, le coude est sorti et le bras est tiré vers l’arrière. La peinture du fils de l’homme est devenue l’une des peintures les plus emblématiques du mouvement surréaliste. La recherche de la cause n’apportera pas beaucoup d’ avantages et vous ne pourrez pas atteindre le résultat.
Dans ses propres mots, il dit de ce tableau :
« Au moins ça cache partiellement le visage. Vous avez donc le visage visible, la pomme, le visage de la personne qui cache le visible mais qui est caché. C’est une chose constante. Tout ce que nous voyons cache autre chose, nous voulons toujours voir ce que nous voyons cache. Il y a un intérêt pour ce qui est caché et ce que le visible ne nous montre pas. On peut dire que cet intérêt, émotion très intense, prend la forme d’une sorte de conflit entre le visible et le présent.
Les peintures mystérieuses de Magritte ont été et continuent d’être utilisées dans de nombreux domaines de la culture populaire.
18) La Naissance de Vénus – Sandro Botticelli
Peinte par Botticelli entre 1483 et 1485, cette œuvre est une peinture éblouissante par son ton métaphysique, sa vue sur la mer et sa qualité de réalité, et fait partie des peintures les plus célèbres. Ce tableau pour la famille Médicis est tout à fait extraordinaire pour son époque, illuminé d’une lumière délicate. Il est révélé par un travail à la détrempe sur une toile.
Le sujet de la naissance de Vénus a été tiré des écrits du poète Homère et, selon la compréhension traditionnelle, après la naissance de Vénus, elle s’est rendue sur l’île de Cythère sur un coquillage. À gauche du tableau se trouve la figure de Zéphyr et sa nymphe Chloris soufflant le vent pour aider Vénus. Sur le rivage, une figure appelée Pomona, la déesse du printemps, attend Vénus avec un manteau flottant au vent.
L’artiste a prêté attention aux coiffures longues et aux styles vestimentaires des femmes du XVe siècle. L’une des caractéristiques les plus frappantes est la représentation nue de Vénus dans le tableau. Parce que les représentations de femmes nues ne se trouvent pas dans l’Europe médiévale, sauf dans certains cas.
Peindre un sujet classique avec une élégance parfaite valorise le tableau. Vénus a tracé une ligne sombre autour de son corps pour accentuer sa peau laiteuse, donnant presque l’impression que Vénus était en marbre. Il a souligné le naturel sculptural du corps de Vénus.
19) Bal du moulin de la Galette – Pierre Auguste Renoir
L’une des œuvres importantes du mouvement impressionniste est le Bal du Moulin de la Galette, réalisé par le peintre Renoir à l’âge de trente-cinq ans. L’œuvre, constituée des modèles qu’il a utilisés dans ses œuvres et des figures qu’il a réalisées en prenant ses amis pour modèles, est exposée au musée d’Orsay à Paris. C’est une photo de gens qui se connaissent et ne se connaissent pas dans un café de Paris Montmart.
Le peintre a peint ceux qui dansent, bavardent, regardent ce qui les entoure et les gens qui sont en action. Il y a un gâteau appelé galette au menu de ce café, où Renoir s’est également rendu, et le peintre a choisi ce plat culturel pour son travail.
Dans cette œuvre aux multiples figures de Renoir, les gens qui bavardent devant et les gens qui dansent sur la piste de danse ajoutent du mouvement à l’image. Le peintre, qui nous a donné un moment de foule, a créé un moment de fête qui nous a inclus avec la vivacité de son travail. Le modèle féminin en robe rayée au premier rang est Estelle.
Il a peint Frank Lamy, Norbert Goeneutte et Georges Rivière sur la table, et son modèle Margot et son ami peintre cubain sur la piste de danse. Les taches sur les figures sont en fait la lumière du soleil frappant les feuilles des arbres. Renoir nous donne la même image sans la déformer et révèle le détail le plus important du mouvement impressionniste.
20) Chiens jouant au poker – Cassius Marcellus Coolidge
Contrairement à cette œuvre, qui figure sur notre liste des peintures les plus célèbres, les peintures de Coolidge n’étaient pas considérées comme de véritables œuvres d’art par la plupart des critiques. Mais ses œuvres sont devenues iconiques dans le monde de la culture populaire. Coolidge a développé une carrière d’illustrateur. La première image de la série Dogs Playing Poker est 1984 Poker Game. Ses œuvres, ainsi que des affiches, ont réussi à entrer dans les maisons de millions de personnes à des fins publicitaires.
La plus célèbre de ces séries de dix-huit tables était A Friend in Need. Voir le bouledogue au premier plan lancer secrètement un as à son partenaire est un moment amusant. La représentation de l’ami le plus fidèle des gens, leur meilleur ami, dans une telle tromperie a rendu la peinture populaire. L’original n’a jamais été mis en vente et sa valeur est considérée comme bien supérieure aux estimations.
21) Engoulevents – Edward Hopper
Nighthawks est le célèbre tableau de Hopper qu’il a peint en 1942. Hopper dit de ce tableau : « Je peins, inconsciemment, probablement la solitude d’une grande ville. » Un restaurant ouvert toute la nuit, trois clients et un employé en face. Hopper crée une scène calme, belle mais mystérieuse avec des formes géométriques harmonieuses et la lueur de l’éclairage du café.
Bien qu’il ait été inspiré par un restaurant qu’il a vu sur Greenwich Avenue à New York, il n’a pas réaliste d’inclure le restaurant dans son travail. Les rues sont propres et vides. Il n’y a pas d’entrée au café, les clients semblent déconnectés les uns des autres. En tant que spectateurs du tableau, nous sommes curieux de connaître ces personnages, leurs relations et l’environnement.
Gail Levin, qui a écrit la biographie de Hopper, pense qu’il a été influencé par Cafe Terrace at Night de Van Gogh, compte tenu des similitudes en termes d’éclairage et de thème. Mais il n’y a aucune preuve claire d’un quelconque effet. Les quatre oiseaux de nuit non identifiés sont si éloignés que Hopper pourrait être considéré comme faisant référence à l’isolement des citadins. La figure féminine aux cheveux roux a en fait été inspirée de la femme de l’artiste, Jo.
22) La Grande Vague au large de Kanagawa – Katsushika Hokusai
L’un des trente-six paysages de la série du mont Fuji, La grande vague de Kanagawa fait partie des peintures les plus célèbres de la peinture japonaise et mondiale. Il présente la figure d’Hokusai d’un petit mont Fuji au loin, sous la crête d’une vague géante. Hokusai a découvert les formes d’oppression occidentales qui sont arrivées dans son pays grâce au commerce hollandais. Les angles obliques se nourrissent des contrastes entre le proche et le lointain, entre l’homme et la nature.
Ukiyo-e est le nom de l’estampe japonaise des méthodes. La peinture a été réalisée en 1830 et 1833 avec une gravure sur bois multicolore faite d’encre et de couleur sur papier. Hokusai s’est éloigné du sujet traditionnel des estampes ukiyo-e, réalisant des images de prostituées et de personnages célèbres, et s’est concentré sur la vie quotidienne du peuple Jopan.
Sur les rives de la montagne, nous voyons parmi les vagues, nous pouvons voir les pêcheurs aux prises avec la mer. Au départ, de nombreuses copies de ce tableau furent rapidement produites. Il est devenu une source d’inspiration pour de nombreux artistes travaillant en Europe vers la fin du XIXe siècle. Dans tous les tableaux de la série, il y a une image du mont Fuji, alors que dans ce tableau, la montagne est prise entre d’énormes vagues.
Le mont Fuji, qui se rétrécit avec la perspective, semble être englouti par les vagues. L’écume des vagues donne également l’impression que la montagne neige. Après l’exposition de Hokusai à Paris, le mouvement artistique appelé Japonisme a commencé. Les impressionnistes comme Monet admiraient les estampes japonaises.
23) La Création d’Adam – Michel-Ange
Les fresques trouvées sur le plafond de la chapelle Sixtine du Vatican couvrent neuf scènes distinctes de l’Ancien Testament de Michel- Ange . Au milieu de ces fresques se trouve la fresque de la Création d’Adam. C’est un travail qui a été efficacement transmis à travers la description et l’interprétation de Michel-Ange. La création d’Adam a été couverte dans de nombreuses œuvres, mais la réalisation de Michel-Ange ici est sa capacité supérieure à représenter le corps humain.
Les sujets religieux sont une source d’inspiration fréquente pour les artistes de la Renaissance. Mais cela a amené le sujet à une autre dimension. Dieu est donné comme musclé mais vieux et aux cheveux gris, essayant de voler vers l’avant. Cette représentation de dieu n’est pas très similaire aux précédentes. Dans le passé, il y avait des représentations de dieux qui semblaient forts avec leurs vêtements. Dans ce tableau, cependant, il y a un récit simple avec ses bras et ses jambes légèrement ouverts, mais montrant sa force avec ses muscles.
Adam, d’autre part, est décrit comme répondant à contrecœur au toucher de Dieu. Quelques avis ont été émis sur la figure féminine sous le bras de Dieu. Eve, qui attendra avec Dieu jusqu’à ce qu’elle soit créée à partir de la côte d’Adam. Dans des vues ultérieures, des théories ont été produites selon lesquelles c’est la Vierge Marie qui sera la mère du messie.
Il ne faut pas oublier que l’art premier de Michel-Ange est issu de la sculpture, car les corps apparaissent comme musclés et souples, c’est-à-dire des sculptures. Cependant, quelle que soit la signification attribuée à la peinture, on ne sait pas ce que l’artiste a pensé et dépeint cette peinture.
24) La Cène – Léonard de Vinci
L’œuvre que presque tout le monde voit dans nos peintures les plus célèbres est la peinture de la Cène. Ce tableau, peint entre 1494 et 1498, représente la dernière cène entre les apôtres, la veille de la trahison de Jésus par ses apôtres.
Le célèbre tableau sur le mur de la salle à manger de l’ancien couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie est La Cène. C’est un tableau géant de 4,60 mètres de haut et 8,80 mètres de large. Outre les méthodes couramment utilisées à l’époque de la fresque, il a été réalisé à la détrempe et à l’huile sur plâtre. Mais cette méthode l’a conduit à tomber et à être réparé quelques années plus tard.
Les mystères et les obscurités de la peinture intéressent historiens, chercheurs et romanciers. Par exemple, dans le roman de Dan Brown, The Da Vinci Code, il est dit que la figure à droite de Jésus n’est pas Jean mais une figure féminine. Bien sûr, ce sont encore des mystères non résolus. Certains critiques d’art disent que l’intérêt pour la peinture n’est qu’en raison des mystères qu’elle contient et que ces gens manquent l’incroyable sens de la perspective que contient l’œuvre.
Leonardo était connu pour son penchant pour la symétrie, et dans ce travail la mise en page est largement horizontale. Il a assuré la symétrie en plaçant le même nombre de personnages des deux côtés de Jésus, c’est-à-dire à droite et à gauche. Leonardo a enfoncé un clou dans le mur, puis a attaché des ficelles au mur pour créer les angles de la peinture.
Selon le musicien italien Giovanni Maria Pala, da Vinci a combiné des notes de musique dans la peinture. Il a même créé une mélodie de quarante secondes à partir des notes qu’il prétendait avoir cachées en 2007.
25) Le Jardin des Délices – Hieronymus Bosch
La dernière œuvre de notre liste des peintures les plus célèbres est la peinture à l’huile intitulée Le Jardin des délices, que le peintre hollandais Hieronymus Bosch a apportée sur sa toile entre 1490 et 1500. C’est le tableau le plus complexe, le plus énigmatique et le plus célèbre de Bosch. Sa couverture extérieure fusionne pour former une forme de sphère parfaite. Il y a une figure divine tenant un livre ouvert dans le coin supérieur de la couverture extérieure gauche. Il est interprété comme la représentation du grand déluge et du troisième jour où Dieu a nettoyé le monde du mal et a créé des fleurs, des arbres et toutes les plantes.
Dans la première partie, Dieu leur présente Eve. La licorne, d’autres créatures hybrides et des animaux moins connus, des oiseaux, des poissons, des serpents, des insectes, des éléphants et des girafes sont représentés dans le jardin d’Eden.
Au milieu, c’est-à-dire le panneau central, c’est la section dont la table tire son nom. Ce que Bosch veut transmettre avec des figures nues engagées dans un travail sensuel est interprété comme un avertissement contre la luxure. La plupart des personnages apparaissent à l’intérieur d’œufs ou de coquilles, se nourrissant de fruits par des oiseaux et d’étranges créatures hybrides. Il existe des descriptions de consommation de mûres avec voracité, préférant les mûres aux champignons et les consommant de manière exagérée.
Dans la troisième partie, nous rencontrons la description de l’enfer. Selon les critiques d’art, Bosch a gardé le meilleur pour l’enfer. Dans la représentation avec l’obscurité en arrière-plan, les murs de la ville ressemblent à des prisons, des corps humains en tas sont soumis à d’étranges tortures aux mains de bourreaux étrangement vêtus ou d’animaux-démons. Un oiseau étrange assis sur un siège de toilette avale des gens et les rejette à nouveau. Il y a un portrait quelque part dans le tableau, et il y a aussi la vue qu’il s’agit de l’autoportrait de Bosch.
Ce tableau restera un grand mystère avec ses mystères et ce qu’il veut raconter.
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